【转帖】钢琴演奏杂谈 - 舒曼学校黄佩玉校长的话

annete · 发表于 2005-11-16 13:20:10

<img src="http://www.schumann-music.com/images/pics24.gif" border="0" onclick="javascript:window.open(this.src);" alt= style="CURSOR: pointer" onload="javascript:if(this.width>screen.width-500)this.style.width=screen.width-500;" /> 当您一脚踏入“音乐之门”后，就象踏进了一堆麦糖，便再也无法抽身。在音乐的世界中成长，有快乐也有困惑。快乐的是，音乐使我们随时显现着我们的生命；困惑的是，为什么心中幻想的声音，手上却做不到？为什么那么真诚地去对待音乐，每日好几小时的练习，成果却是让人痛哭流涕？音乐的美到底在哪里？她的情到底如何去表达？世界上真的有天才与蠢才的分别吗？这许许多多的疑问，都需要一个良师帮你开启<img src="http://www.schumann-music.com/images/pics56.gif" border="0" onclick="javascript:window.open(this.src);" alt= style="CURSOR: pointer" onload="javascript:if(this.width>screen.width-500)this.style.width=screen.width-500;" /> 。为此，我们特设本栏目，以共同探讨，希望广大音乐爱好者继续支持我们的栏目，期望对钢琴音乐有兴趣的朋友加入舒曼这个音乐大家庭，和我们共同去编织音乐的梦想...... “师生”是人生当中一种奇妙的缘份。一个优秀的老师能够打开你心灵的窗口，启发你一切能够敏锐感应的特性与潜力。而音乐的教学不是一件容易的事情，它不止是技术上的教导，更是一切美的教育与想象力的启发；不仅教师要具有讲述美的能力，学生更要有追寻美的渴求，艺术教育才能完满的达成。讲述良好的音乐观念，设计一套能完整呈现自我理念的练习方法，这就是舒曼办学的宗旨。 一些学生对钢琴教育的基础训练、国际音乐术语、正规姿势指法目前还不够重视，缺乏原版教材，国内基础教材也不够全面，为了盲目追求国际上不承认的“定级证书”而死背硬练一两首曲子，很多东西则一窍不通，从而浪费了学生和家长的一番心血。音乐本身是一个很微妙、很讲究美德和感情的理解与表达的东西，一定要注意尊重、理解原作的表现风格和生活背景。著名钢琴家傅聪先生说过“钢琴音乐文化是欧洲人发明的，应该以欧洲人的原作风格及生活思维方式去理解表达出来，最多加上一点东方人自己的特别感觉，丰富它。 ”我希望每个学钢琴的学生一定要扎扎实实地打好基础，选择好的老师、好的教学方法，千万不要“未走先跑”。<a name="index0">学[/url]坏了姿势和指法是很难改正的，甚至永远改不了，到时将会后悔终生。1. 关于钢琴的演奏2. 良好完整练习方法的重要性3. 关于音乐的想象力4. 关于音乐的创作5. 如何把握弹琴时力的方向6. 关于如何训练独立自主发挥7. 优美音质的探求

annete · 发表于 2005-11-16 13:21:53

<table cellspacing="5" cellpadding="5" width="100%" border="0"><tr><td valign="top" align="right" width="100"><a name="index1">关于钢琴的演奏[/url]</td><td valign="top">要使钢琴开声，就好像用我们的嘴巴说话一样，不是件难事，但是要让说出的话优美动听，合理而充满说服力，却需要具备足够的知识与受过良好的训练。正确训练的重要性，著名的俄国钢琴家herny neigauz曾经作过很有趣的描绘：“在他们力图表达一些伟大音乐作品时，他们不能理解什么是音乐语言，因此弹出来的东西不像在说话，而像在嘟噜。清晰的思维，变成贫乏的思想片断；强烈的情感变成软弱无力的挣扎；严密的逻辑变成无因之果；诗意的形象变成无奈的复制。当然，与此相应，所谓技术，也很不够。在这样的弹奏中艺术形象被歪曲，弹奏者不占主要地位，或是根本不存在。” 音乐不像在说话，而像，这表示音符不清晰，没有乐句的划分和呼吸；清晰的思维变成贫乏的片断，严密逻辑变成无因之果，则是对乐曲的发展和情感记号不曾有过研究和彻底的了解，头脑不清楚以至于使人不知所云；强烈的情感变成软弱无力的挣扎，诗意的形象变成平淡无味的复制，这便是声音未经琢磨，只是以一个现，当强烈的情感需要雷铤万钧的力度与音响来感应时，手指和手臂的肌肉却无力做到，而当诗意的音乐，需要柔情似水的声音来歌唱时，未经训练的双手却只能表面地将旋律弹出，无法用深入的音乐来表达。有上述三种情形出现，我们所听到的乐曲，便不是艺术，而是一群惹人的声音罢了。 因此在钢琴的弹奏上,少了“音乐律动”、“声音的掌握”、“清晰的语言”中的任何一项, 或缺少任何一个小细节，都会使音乐产生缺陷, 而缺陷一旦定型, 便不易改正, 必需再回到最初的练习上。这倒不如在最开始的学习时, 便走一条完整的道路, 虽然进展较为缓慢, 但是根基稳固, 在正确的学习过程中, 反面是快速而有益的.正如小提琴家梅纽因所说：“纪律是成功地从事任何事所不可缺少的保证, 纪律是一种能仔细、正确地重复某种行动的能力, 因此纪律就是达到某个目标的最经济方式。复杂的事物经过分析与简化后, 就形成纪律, 从而为我们达到目的提供了最接近、最少迂回、最不偏离目标的道路”。</td></tr><tr><td valign="top" align="right" width="100"><a name="index2">良好完整练习[/url]方法的重要性<img src="http://www.schumann-music.com/images/pracetiselx1.jpg" border="0" onclick="javascript:window.open(this.src);" alt= style="CURSOR: pointer" onload="javascript:if(this.width>screen.width-500)this.style.width=screen.width-500;" /> </td><td valign="top">关于“如何设计一套良好且完整的练习方法”。首先应该对我们的身体和行为有所认识：1)人并非与生俱来就有稳定的节奏感和深动的律动感，必须经由训练；2)我们的行为具有习惯性；3)人的各部肌肉(包括指尖)要加以训练，才会结实有力，肌肉的训练需由慢至快，无法勉强。如果勉强做快速训练结果是造成肌肉紧张。而人体的关节，要常常活动，才会灵活，否则便慢慢僵硬了；4)我们左右手活动的能力并不均等，因此必须分开训练；5)环境改变时，任何人都会产生紧张的心情，紧张的程度视年龄、经验、个性而易, 紧张的表现因人而异，手脚发软、发抖、肩痛等；6)人天生具有模仿能力, 但有程度上的差别；7)在背谱的过程中, 我们需不断地回顾、加强, 才能牢记, 否则会随时间消逝而模糊不清；8)人的内在能力如同一个丰富宝藏库, 需要启发和不停地刺激, 才会慢慢展现。以上诸多的人体和行为上的普遍性, 有助于我们了解为何在钢琴的弹奏上屡遭困难, 无法完美掌握的原因, 这些特性, 运用得当缺点。当我们练习一首乐曲之初, 很用心地弹奏每一正确的音符与节奏, 不中断, 长时间的练习中, 我们便习惯于正确的位置与时间的长短, 速度增快, 亦不易发生错误。如果学习钢琴时, 练琴不经心, 错音、错拍子, 日子久了错误变成正确的, 乐曲也就一团糟。设计一套良好的练习方法, 便要针对这些人体和行为的特性做好设计, 发挥他们的功能, 以便达到事半功倍的效果。世上有许多关于音乐天才的传说, 似乎天才不需刻意的训练, 便有好的表现。如：纪瑟金(walter giesekin 1895 - 1956)只要看了谱(新的曲子), 不用练, 便能上台背谱演出, 或是某某钢琴家每日只练一、二个小时,对于这样的传说, 我们只能建议借用一句老话, “天下没有不劳而获的好事”。纪瑟金四岁开始学习钢琴, 十岁时入德国汉诺威市音乐学校, 接受他一生唯一的老师----卡尔．莱玛的教导。由于莱玛先生给予他相当严格的教导, 无疑节省了他许多学习时间, 同时提早了他自我发挥能力。可见选择一位好的老师是何等重要！</td></tr><tr><td valign="top" align="right" width="100"><a name="index3">音乐的想象力[/url]</td><td valign="top">人的想象世界是无穷尽的，但是必须不断地接受启发与刺激，才会发挥它的潜能。一个学习者除了从老师那里得到启发外，他必须懂得如何去寻求想象力的源泉。寻求的路除了音乐理论上的知识外，从他人实际的音乐演奏中（音乐会、唱片、录音带、录影带）得到刺激也是很重要的。 虽然人的学习都是从模仿他人开始，但是我们永远不要担心自己会变成别人，因为每个个体在人格的特性上，都存在着一些差异。音乐，反映的永远是真实的我们，在音乐的世界里，我们不需要掩饰真正的自我，事实上也无法掩饰。当我们心中存有矫情时，音乐是做作的；心中存有愧疚时，音乐是虚空的；唯有在内心充满情与爱时，音乐才是柔美的；在内心充满正义感时，音乐才是铿锵有力的；在经过了真诚的琢磨后，音乐才是肯定自信的。</td></tr><tr><td valign="top" align="right" width="100"><a name="index4">关于音乐的创作[/url] </td><td valign="top">唐朝诗人王维在《在家思故园见乡人问》的诗中写道：“飘泊多年岁，老去不知回。忽逢门前客，道发故乡来。敛眉俱握手，破涕共衔杯。殷勤访朋旧，屈曲问童孩。衰宗多弟侄，若个赏池台？旧园今在否？新树也应栽。柳行疏密布？芳齐宽窄裁？经移何处竹？别种几株梅？渠当无绝水，石计总成苔。院果谁先熟？林花那后开？鞍心只欲向，为报不需猜。行当驱下泽，去剪故园菜。” 这是一首工笔细描，别具意境的诗，思乡之情，跃然纸上。但是诗人王维在看过此诗之后，用了文学上的再创造，做了一首四句杂诗：“君自故乡来，应知故乡事；来日倚窗前，寒梅着花末？” 用王维个人的文字语言再创造的诗，虽然笔墨不多，但是意境与感人的力量较前诗有过之而不及。使我们想起音乐上的再创造亦是如此。 文学与音乐在艺术的再创造里，相同的是：经由好的再创造，可以使我们更深刻的了解原著意图表达的情感；所不同的是：文学的创作，文字本身便已清楚地将原著讲述明了，他人再创造之后的作品，心意相仿，但文字截然不同。而在音乐的创作，则必需透过演奏者的再创造，这个创作才算完成。在再创造的过程里，我们不能任意添加或减少音符，必须很忠实地对待原著，从原谱上成千上万的音符中找出音乐的主干，主要的音乐意向，及这些主干是如何被烘托出来的，它的背景是什么，再将这一切诉诸于自我的情感与声音，将之自然面清晰地表达出来。作为教师的我们如何引导学习者在长时间的训练后，建立学习者自身弹奏与判断音乐的能力，并在此基础上，创造出自己独特的音乐，是舒曼在实施音乐教学中力求达到的目的。</td></tr><tr><td valign="top" align="right" width="100"><a name="index5">如何把握[/url]弹琴时力的方向 </td><td valign="top">我和大家谈一谈弹琴时力的方向。我们曾经提到在钢琴上弹奏出优美的声音, 必须在触键时有集中的力, 一个集中的力有它一定的方向、一定的目的。由于钢琴的发声设计, 是用力学原理类似的跷跷板, 一边向下给予一个力, 另一边则向上产生反作用力, 带动了琴槌, 敲击琴弦。因此, 在琴键上施力时,力的方向是向下, 目的地是琴键的底部。由于地心引力的关系, 地球上任何一个集中向下的力所产生的声音都是自然、放松宽广的, 由一些事证：当一个水滴聚集了足够的重量,滴落焉时, 声音轻脆而透明；再比如当一个苹果成熟时, 毫无负担地掉落在地上,声音响亮而放松。同样的道理, 想要在钢琴上弹出自然且美好的声音, 除了要集中外, 力的方向必须是向下下到氍键底部,因此, 钢琴大师约瑟夫．雷宾(josph lhezinne 1874 - 1994)在教学中说：不论在钢琴上弹奏轻脆的声音或是如歌似的音色,它们都有一个共同的原理, 就是要把琴键“弹到底”。在钢琴的弹奏上,如何将身体的力量, 集中而又向下地传到指尖, 再传到琴键的底部, 是一个相当基本且重要的问题, 不仅关系到声音的好坏, 也是弹奏时放松与否的关键。在我们的身体上,到底哪一部位是所有力的聚焦呢？我们做个实验：把琴盖关上,用双手推开琴盖, 推的时候, 你会发现身体自然向前, 手臂跟着向前, 而手腕则自然向前下方, 手掌一个力量以推动琴盖, 当放松不用力时,身体便恢复自然：手臂拉回、手腕自然向上放松。我们发现手腕是整个臂膀的最低点, 身体的力经过了肩膀、手臂聚集在手腕, 再由手腕传到手部。因此, 手腕是一个可将手臂及传达到的关键。当触键的时候, 集中在手腕的呼向下带手,使手指将琴键向下按到底, 发出声音, 当要结束此音时,只要将手腕轻轻向上一带, 手则因力离开柔软的离。</td></tr><tr><td valign="top" align="right" width="100"><a name="index6">关于如何训练[/url]独立自主发挥 </td><td valign="top">一天,有位儿童走进丰子恺的房间里,一进屋便开始帮他整理东西．儿童看到挂表的正面覆在桌子上，便给它翻了过来，看见茶杯放在茶壶把手的后面，便给他移到前面，看见床底下一顺一倒的鞋子，便给它掉转来．丰子恺很感谢这位儿童，并面谢了他为他做的一切．岂料儿童回答他，他只是看见那些东西的模样，心情很不安逸：＂挂表的正面覆在桌上，看它何等气闷！＂＂茶杯躲在它‘母亲’的后面，教它怎样吃奶？＂＂鞋子一顺一倒，教它如何谈话．＂丰子恺十分钦佩这小哥儿丰富的同情心．从始也开始留意东西摆放的位置，体谅东西的安适：＂它们的位置安适，我们看了心情也安适．于是我恍然捂到，这就是美的心境，就是文学描写中所常用的看法，这些都是同情心的发展，普通人的同情只能给予同类的人，或至多给予动物；但艺术家的同情心非常深广，与天地造化之心同样深广，能遍及有情、非有情的一切物类。音乐家努力将每个音符放在适当的位置,使它唱出美妙的声音，而作为教师的我们，如果在每一个练习的阶段中能明显地运用他的耳朵、眼睛和触觉，引导学习者在正确的道路上行走；运用他的大脑指引学习者思考与分析；运用他的心灵与人生经验带领并启发学习者去想象、去感觉。慢慢地，由习惯性领悟心使然，学习者便能在每一个阶段里由他自身的眼睛、耳朵、触觉、大脑和心灵，以致于整个身体来引导他自己。长世间的训练后，便建立了他本身弹奏与判断音乐的能力，而且发挥出他个人在音乐上独自的想象力。这一切便是我们在音乐教育上所应该达到的最重要的目标棗训练独立，做自我发挥。</td></tr><tr><td valign="top" align="right" width="100"><a name="index7">优美音质的探求[/url] </td><td valign="top">下面要跟各位探讨是“优美音质的探求”。学习任何乐器或声乐, 无论有多么好的乐曲、多么快的手指, 或多么宽广的间域, 如果没有优美的音色, 一切努力都是徒劳的。因此一位音乐学习者, 必须从初学时就要分辨音色的好坏和音色的变化, 且持续不断地追求美好的音色, 如此所演奏或演唱的音乐才可能深入人心, 感人肺腑。而在钢琴的学习上, 声音的好坏来自触键的方式, 而触键的正确与否不仅影响基本的音质,同时也是弹琴时放松或紧张的关键。钢琴的发声法是用手指按下键盘上的琴键, 引动击弦机上包着软颤毡的木槌敲击金属弦, 使琴弦发生振动、琴身发生共鸣而产生声音。当我们给予琴键一个集中的力量时, 木槌便能快速地将所有的力传到琴弦上, 使琴弦开声密实, 具规律性的振动, 而产生集中且饱满的声音, 这种声音就像涨满了气的皮球, 拍在地上发出清脆有力的声响, 感觉是很好的。因此美好的声音应是能给予我们实在、满足的感受, 同时能触发我们的想象力。在钢琴上奏出优美声音, 有赖于指尖“力”的集中, 然而指尖上的呼是从手指本身或是手腕、手臂、身体哪个部位产生的呢？这是一个很根本的问题, 我们可由钢琴制作的发展和钢琴音乐的历史去探讨。十九世纪后, 由于工业革命促进了钢琴的制造技术的改革；也因为社会的变动, 革命思潮的兴起, 人们在艺术的表达上有了强烈的个人因素, 作曲家在钢琴的音响和音域上有了更大的要求, 因而加速钢琴制造的进步。1950年左右, 钢琴制造家们完成了有关今日钢琴制造的基本技术, 其中包括金属框架(原先是木制), 音域的增加, 软毡琴槌, 双卡子击弦机, 踏板等设计,这一切的改变使行钢琴在音域、音量、音色变化、触键要求的力度有了大度的改变：触键方法便不仅限于手臂本身的力量, 更需要利用手腕、手臂、甚至整个身体的力量, 才能完全发挥现代钢琴优美的音色与音响的特色。历史上第一个使用身体力量、高抬手臂弹奏钢琴的人便是贝多芬(1770 -- 1827）。贝多芬把这种弹法传给了弟子撤尔尼、李斯特与雷雪替兹基, 并把它运用到演奏与教学中,从而建立了现代钢琴演奏的方式---运用手臂和手腕, 将身体的力传到指尖, 便可在现代钢琴上弹奏出对比强烈的音响与变化多端的音色, 对人类的情感能够做更深刻、细腻和戏剧性的表达。</td></tr></table>

菲儿妈妈 · 发表于 2005-12-8 13:09:47

受益非浅。顶。。。
谢谢！

yangyang0208 · 发表于 2008-10-23 17:16:50

讲的真好，实用！！！！

jhjyh · 发表于 2009-7-23 12:02:42

很有意思!感谢楼主!

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